Υπάρχει σαφής διαφορά μεταξύ ενός αληθινά αφελούς καλλιτέχνη και ενός ψευδώς αφελούς καλλιτέχνη. Η αυθεντική αφέλεια ξεκινά με το να βρεις το δρόμο σου, να εξερευνήσεις, να πειραματιστείς και να ανακαλύψεις τη φωνή σου. Οι ψεύτικες αφέλειες είναι πονηρές και αναζητούν έγκριση με το πρόσχημα της αλαζονείας και της ανωτερότητας. Ο Joan Miró ήταν αληθινός και παρέμεινε αληθινός σε όλη του τη ζωή. Έπαιζε σαν παιδί και ο καμβάς και η μπογιά ήταν τα εργαλεία του. Η Louise Bourgeois, που τον γνώριζε, έγραψε για την προσωπικότητά του: «Ήταν αυτός που ήταν, ποτέ δεν προσποιήθηκε ότι ήταν κάποιος άλλος ή προσπαθούσε να είναι κάποιος άλλος. Πίστευε στον εαυτό του και αυτό είναι ένα μεγάλο κομπλιμέντο.
Αυτή είναι επίσης μια εύστοχη περιγραφή των πινάκων του Μιρό, που αποπνέουν ένα παιδικό θαύμα. Όταν κοιτάζω 50 από το Milo και την Αμερική της Phillips Collection, δεν μπορώ παρά να γεμίσω με το ίδιο θαύμα. Από τη γκαλερί ακούγονταν γέλια, γίνονταν ζωηρές συζητήσεις και το κοινό ένιωθε ζωντάνια. Το έργο του δεν είναι ούτε τα ήσυχα έργα του Rothko ούτε οι αστραφτερές εκτάσεις του Frankenthaler, ο οποίος εμφανίζεται επίσης στην παράσταση. Οι πίνακες του Miro εκρήγνυνται από χαρά και ενθουσιασμό, και αυτή η χαρά είναι μεταδοτική. Απλώς σε κάνουν ευτυχισμένο.
|
”Milo και Αμερική” |
Αλλά ο Milo δεν κάνει απλώς doodling. Χορεύει με τα χρώματα, ακολουθώντας τη ροή του παιχνιδιού με τα σχήματα, σταλαγματιές, πιτσιλιές, σκουπίσματα, λεπτές γραμμές και στροβιλισμούς. Αλληλεπιδρούσε με τα σημάδια και ζωντάνεψε αυτό που μπορούσαν να εκφράσουν. Πρόκειται για κίνηση σε δύο διαστάσεις και συχνά ακολουθείς τις εφευρέσεις του Milo με ιλιγγιώδη ρυθμό. πάρε τα πράγματά του αστερισμός σειρά. Είκοσι δύο poschoir (χρωματιστά στένσιλ) από τους πίνακές του με λάδι και γκουάς σε χαρτί, που δημιουργήθηκαν μεταξύ 1940 και 1941, είναι ομοιόμορφα σε μέγεθος και πλαίσιο και διακοσμούν μια γκαλερί με γραμμικό τρόπο. Προχωράτε στη γραμμή παρατηρώντας ιπτάμενα σχήματα όπως ψάρια, γυναίκες, πουλιά, ακροβάτες, αστέρια, σκάλες και σαλιγκάρια. Αυτός ο πίνακας έδωσε στον Miro μια ανάπαυλα από τη φρίκη του πολέμου που τον ανάγκασε να φύγει από τη Γαλλία μετά τη γερμανική εισβολή κατά τον Β’ Παγκόσμιο Πόλεμο. Τους εκτιμούσε τόσο πολύ που όταν τράπηκε σε φυγή κουβαλούσε τα πρώτα δέκα στην τσάντα του. Αυτές και οι επόμενες εργασίες ολοκληρώθηκαν στη φάρμα της οικογένειάς του στο Montroig της Ισπανίας. Η σειρά εκτέθηκε για πρώτη φορά στον αντιπρόσωπό του στη Νέα Υόρκη, Pierre Matisse Gallery, και όλα πουλήθηκαν. Ο Matisse έγραψε στον Miro: «Η γνώμη είναι ομόφωνη, το κοινό βρίσκει την έκθεσή σας εντυπωσιακή». Η ζωντάνια αυτού του έργου αντικατοπτρίζεται όχι μόνο στον ίδιο τον πίνακα, αλλά και στον τίτλο. Ξανθή μασχάλη που χτενίζει τα μαλλιά της στο φως των αστεριών, Το τραγούδι του Nightingale για τα μεσάνυχτα και την πρωινή βροχή, Οι γυναίκες δίπλα στη λίμνη αστράφτουν στα χρώματα του ουράνιου τόξου καθώς περνούν οι κύκνοι, Το ροζ σούρουπο χαϊδεύει το φύλο της γυναίκας και του πουλιού.. Τα έργα ρέουν το ένα μετά το άλλο προκαλώντας χαρά και η χαρά του καλλιτέχνη δημιουργεί τη χαρά σου.
Η έκθεση Phillips Collection περιλαμβάνει επίσης έργα πολλών συγχρόνων του Miro που βρίσκονταν στη Νέα Υόρκη κατά τις επισκέψεις του στις Ηνωμένες Πολιτείες και η επιρροή που είχε στη δουλειά τους είναι ξεκάθαρη. Σύμφωνα με την επιμελήτρια Elsa Smithgaard, αυτή και η ομάδα της “αναζήτησαν τα καλύτερα παραδείγματα από καλλιτέχνες με ισχυρές συγγένειες με τη δημιουργική μέθοδο, το όραμα ή/και τις πτυχές της επίσημης γλώσσας του Miró. Η φιλοδοξία μας ήταν να επιτύχουμε ένα ζωντανό μείγμα και να διασφαλίσουμε ότι θα δημιουργηθεί η σύνδεση με τον Miró.” Η ιδέα ήταν να συμπεριληφθούν όχι μόνο διάσημοι καλλιτέχνες όπως ο Mark Rothko, ο Jackson Pollock και η Louise Bourgeois, αλλά και οι Lee Krasner, Peter Miller, Sonya Sekula και Alice, μεταξύ άλλων, ο Trumbull-Mason, του οποίου η σχέση με τον Milo έχει διερευνηθεί λιγότερο. Μια σημαντική πτυχή της έκθεσης ήταν ότι τράβηξε σημαντική προσοχή στις πολλές γυναίκες καλλιτέχνες που ασχολήθηκαν βαθιά με το έργο και τις ιδέες του Miro, αλλά οι συνεισφορές των οποίων δεν ήταν απαραίτητα στο προσκήνιο στην αφήγηση του μεταπολεμικού μοντερνισμού. ”
Η παράσταση έχει μια τεράστια, περιεκτική, εξερευνητική αίσθηση, όπως και το έργο του Μιρό. Μια σαρωτική σκάλα οδηγεί στο πρώτο μεγάλο δωμάτιο, βαμμένο στο New York State of Mind Blue, και από εκεί, υπάρχουν πολλές μικρότερες γκαλερί για εξερεύνηση. «Αυτή η έκθεση συγκεντρώνει πολλές φωνές που στοχεύουν να ενσαρκώσουν το πνεύμα του πειραματισμού», πρόσθεσε ο Smithgal. “Οι επισκέπτες ανεβαίνουν τη σπειροειδή σκάλα και θαυμάζουν πολλά γλυπτικά έργα του Μιρό. Στη συνέχεια, στην κορυφή των σκαλοπατιών, συναντούν δύο κινητά, ένα πορτρέτο του Μιρό από σύρμα και, μέσα από μια αψίδα, έναν μικρό κινητό στάβλο, όλα από τον Alexander Calder. Η έκθεση ξετυλίγεται χρονολογικά σε κάθε δωμάτιο, με την τέχνη του Mirit.”
Η χρονολογική εμπειρία του έργου ενός καλλιτέχνη φέρνει πάντα πρόσθετη απόλαυση καθώς μπορείτε να παρακολουθήσετε την εξέλιξή του. Οι αξιολάτρευτες και εξωφρενικές αυτοπροσωπογραφίες του Μιρό ξαναδουλεύτηκαν μεταξύ 1937 και 1960. Το τελικό αποτέλεσμα αποτυπώνει την ίδια την ουσία του Milo. Το λάδι και το μολύβι σε καμβά έχει ένα πλούσιο σκούρο φόντο γκράφιτι με τα χαρακτηριστικά του σχήματα, σκιασμένα απαλά σε κάθε λεπτομέρεια. Στο επάνω μέρος, υπάρχει ένας στρογγυλός χοντρός μαύρος κύκλος για το κεφάλι με τρεις χοντρές μαύρες τρίχες, δύο μεγάλους μαύρους κύκλους που αντιπροσωπεύουν τα μάτια, δύο γραμμές που συνδέουν τις δύο καμπύλες του σώματος και μικρότερους κύκλους σε έντονο ροζ, μπλε, κίτρινο και κόκκινο. Είναι μια αναπαράσταση του σώματος ενός παιδιού, ένα πραγματικά απλό σώμα.
Πρόκειται για μια ευρεία και σημαντική έκθεση που παρέχει μια συναρπαστική προβολή της σημασίας του Μιρό και της επιρροής του στους Αμερικανούς καλλιτέχνες. Ο Μπάρνετ Νιούμαν, ο οποίος είδε την έκθεση γκουάς του Μιρό το 1945, είπε: «Ο Μιρό είναι πρωτοπόρος σε έναν νέο τομέα που θα αλλάξει το πρόσωπο της τέχνης για πολλά χρόνια στο μέλλον.» Το έργο του συνεχίζει να είναι συναρπαστικό.